Tiphares

Hurricane Polymar: Holy Blood

Sun, 05 Oct 2025 00:00:00 +0200

Al grido di :”Polymar, Trasformazione!”, un ragazzo che, all’apparenza, sembra un imbranato totale con un casco rosso, diventa il mitico Hurricane Polymar (Molto simile a Tribal quando indossa i suoi fantastici occhialini più maragli dei miei. E poi si permette di criticarmi!?!ndGoku). Direte :”Eh… una cosa così vecchia!! Ma chi se la inxxxa??”. Invece no, ignoranti se non lo sapete sono usciti i NUOVI OAV (aola dell’ intera redazione, con addirittura gridi di stupore). La Tatsunoko (che continua a sfornare remake su remake, vedi "Kyashan: il mito"ndRyo), in questi episodi, riassume tutta la vecchia serie con, però, alcune modifiche: la più esplicita è il fatto che Teru non è più l’assistente del mitico detective privato Joe Kuruma (e non è neanche lontanamente simile a quella bonazza simil-Marilyn Monroe che era prima, sigh!ndRyo), ma invece è la sua padrona di casa. Takeshi, invece, fa sempre l’ assistente detective; lui in realtà è campione di arti marziali e figlio del capo della polizia di Tokyo (caso strano). Un bel giorno, questo bel tomo riceve il suo casco rosso (sinceramente lo potevano disegnare un po’ meglio) via pacco postale da una sua vecchia amica di scuola, e con quel gingillo lui si picchia tutto il santo giorno con i Plutoniani, che non sono alieni, ma sono una nuova specie umana creata in laboratorio, con il vantaggio non indifferente delle branchie, con le quali respirano sott’acqua.

Gli uomini squalo (o Plutoniani, che dir si voglia) hanno intenzione di buttare giù Neo Tokyo (e quale città sennò!ndRyo) a suon di attentati dinamitardi, per poter costruire il loro impero anfibio. Ovviamente a rompere le uova nel paniere ai pesciazzi è Takeshi/Polymar, che smazzuola tutti regolarmente e fa esplodere le bombe lì dove la gente non si può fare del male. La trama però non si limita a far questo, infatti Takeshi non è l’unico a possedere i poteri di Polymar, ma anche uno dei cattivoni più grossi la possiede, rendendo la vita del nostro amico in calzamaglia rossa più difficile del previsto. Se a tutto questo aggiungiamo che Polymar non è poi così invincibile come nella serie originale e che uno dei fratelli di Takeshi (inventati per l’occasione) è in realtà il capoccia dei cattivoni, direi che ci troviamo di fronte ad una serie non molto originale, ma abbastanza convincente. Il disegno di questi OAV è a dir poco eccezionale, con colori forti e luminosi che si muovono in ambienti cupi che ricordano non poco le atmosfere del primo Batman. Le scene di combattimento sono velocissime ed ultra definite:

insomma graficamente la Tatsunoko è risciuta a superarsi ancora una volta. Vera nota dolente di tutta la produzione è un character design, che definire brutto è un complimento: Takeshi è diventato così tamarro che Goku in confronto sembra una personcina fine, Teru è diventata una bambina rompiballe e il mitico Joe Kuruma è diventato così brutto che il vecchio look da "commissario Zenigata" era 10 e passa volte meglio. Insomma non ci siamo proprio. Consigliamo vivamente queste cassette a chi è piaciuto "Kyashan: il mito" e ai vecchi fan di Hurricane Polymar, perchè anche se la storia futuristica e fantascientifica alla fine è sempre la stessa, il disegno e le musiche ne valgono la visione. Per gli otaku: c’è una citazione di Judo boy (anch’essa vecchia serie Tatsunoko) negli OAV. Sapreste riuscire a trovarla?

Vision of Escaflowne

Sun, 05 Oct 2025 00:00:00 +0200

Immaginate un mondo diverso da quello che conoscete. Un posto in cui potreste alzare lo sguardo verso le stelle e vedere la terra e la luna che le gira intorno alta nel cielo. Un luogo popolato da uomini cane (dei coboldi versione deluxe) e uomini gatto, nel quale, piuttosto che scontrarsi all’arma bianca, gli avversari preferiscono infilarsi in grosse armature meccaniche (immaginate dei mobile-suit medioevalizzati) chiamati Guymelefs e affrontarsi con essi.

Immaginate un mondo in cui potete essere quello che volete e fare quello che vi pare, un mondo di assoluta libertà, un mondo soltanto vostro in cui (WDIM? Quante volte ti ho detto di non fumare quella roba in redazione!ndRyo)(Ryoooo! Cosa dici. Questa roba è di grande aiuto mentre scrivo una recensione. Ti espande la mente verso l’universo e gli altri. Ormai la mia mente è dentro la tua e la tua…)(E dammi quella robaccia!ndRyo seccato che strappa il rotolo fumante di script di Evangelion dalla bocca di WDIM). OK, non fate caso a questo piccolo inconveniente. Se vi foste rotti di immaginare questo e quello come me, potreste cercare di recuperare i 26 episodi che compongono "Vision of Escaflowne" (magari sottotitolati) e guardarveli. Se non vi fosse possibile, continuate pure a leggere questa recensione. La protagonista della serie è Hitomi Kanzaki (15 anni) una classica studentessa liceale giapponese iscritta al club di atletica e innamorata di Amano Susumu, suo compagno nel club. Hitomi è famosa tra le sue amiche per la sua abilità nel leggere i tarocchi (e da quando le arance si leggono?ndRyo spiritosone) e predire il futuro.

Venuta a sapere dell’intenzione di Amano di trasferirsi in un’altra città, gli chiede se vuole essere il primo ragazzo a baciarla, ma solo se Hitomi prima, riuscirà a correre i 100 m in meno di 13 secondi. Hitomi inizia la sua corsa; cronometrata da Amano grazie al ciondolo di Hitomi stessa, ricordo della nonna, che possiede le proprietà di scandire perfettamente i secondi se agitato a mo’ di pendolo. La corsa viene interrotta da un fulmine, dal quale appare un ragazzo armato di spada, e da uno squarcio nello spazio da cui compare un drago minaccioso. Dopo una lunga lotta, il ragazzo riesce ad uccidere il drago. Una volta morto, gli si avvicina e gli strappa il cuore dal petto. Ormai finito il trambusto, ed arrivato il momento dei chiarimenti, ma improvvisamente una luce proveniente dal cielo investe il ragazzo sconosciuto (Van Fanel) e Hitomi, trascinandoli in alto. Amano cerca di raggiungere Hitomi e di afferrarle una mano, ma tutto quello che riesce a fare è di passarle il ciondolo, prima che Van e Hitomi scompaiano lentamente nella luce.

Quando Hitomi riprende i sensi, si trova in un luogo sconosciuto circondato da erba e alberi. Alza gli occhi verso il cielo stellato e vede la terra e più piccola, accanto ad essa, la luna. Ricongiuntasi con Van, Hitomi viene portata nella sua città, il cuore del regno di Fanelia, di cui lui è il principe, e scopre di trovarsi in un luogo chiamato Gaea. Recuperare il cuore del drago era la prova da superare per poter diventare re di Fanelia, e rappresenta anche la fonte di energia per l’Escaflowne, un Guymelefs molto potente costruito da un’antica razza e capace di trasformarsi in un drago. Mentre la città è in festa per la prossima incoronazione, Fanelia viene attaccata dall’impero di Zaibach. I Guymelefes di Zaibach, un impero molto avanzato tecnologicamente, sono nettamente superiori e Van si vede costretto ad attivare l’Escaflowne per combattere. Dopo aver abbattuto alcuni nemici, Van si ritrova circondato e senza via di scampo; ed ecco che di nuovo appare una luce dal cielo, trasportando lontano Van, Hitomi e l’Escaflowne. Ormai senza più un regno, Van, insieme a Hitomi vaga per Gaea cercando di sfuggire alle truppe di Zaibach, capitanate da Dilandau, un pazzo scatenato deciso a catturarli nel tentativo di recuperare quello che definiscono il drago. Nella loro fuga, incontrano Allen Schezar, uno dei migliori guerrieri di Asturia ed ex allievo di Valgus, capo militare di Fanelia, e Melulu, una ragazza dalle sembianze di gatto, allevata insieme a Van.

Dopo la resa di Asturia a Zaibach senza colpo ferire, Allen si unisce a Van e a Hitomi nella loro fuga. Il nuovo gruppo prende ad attraversare Gaea alla ricerca di alleati contro Zaibach e delle motivazioni che hanno causato questo conflitto che va via via allargandosi. Arrivano infine a Freid, un regno dove la religione gioca un ruolo fondamentale, governato dal principe Cleido, che dopo la morte della madre ha dovuto passare di ruolo seppure ancora bambino. Nonostante la resistenza, anche Freid si arrende a Zaibach e Hitomi & co. devono nuovamente riprendere la fuga. Il loro peregrinare li porterà a scoprire la causa delle loro continue fughe e delle disgrazie che sembrano colpirli e a scoprire cosa muove Zaibach nella sua conquista, oltre che sconcertanti rivelazioni sul passato di Gaea e dei vari personaggi. Ho parlato più del solito (Eggià! Te possino…ndRyo che batte la sua recensione al computer) della storia per far entrare un po’ nell’atmosfera che legge questa recensione, e nonostante tutto, ci sarebbe molto altro da dire. Oltre che intorno al conflitto con Zaibach, la storia ruota molto sulle magagne sentimentali di Hitomi e degli altri personaggi (si vede che WDIM non è fidanzato…ndRyo). Vision of Escaflowne è stata trasmessa dal 4/2/96 al 9/24/96, quasi contemporaneamente ad Evangelion (vedere due serie così nello stesso periodo deve essere il massimo)(mi ricordano i bei vecchi tempi, quando facevano Ken il guerriero e subito dopo Maison Ikkoku, sigh!ndRyo).

La storia originale è di Shoji Kawamori. L’idea gli viene prima ancora di iniziare a lavorare a Macross Plus. Kawamori fu poi contattato dalla Bandai, finiti i progetti sui vari Macross, che gli diede il via libera per Escaflowne. Il character design dei personaggi è di Nobuteru Yuki (Nobuteru "prezzemolo" Yuki? Ma questo qui sta dappertutto?ndRyo) e si notano i classici nasi che non finiscono più. Nonostante sia un design particolare, ci si fa presto l’abitudine (a me piace.ndGoku)(anche a me, che hai capito?). La regia e la supervisione sono sempre di Kawamori, mentre le musiche sono affidate a Yoko Kanno (Bokutama, Macross Plus)(la adoro)(anche io e Char facciamo parte del club "Facciamo Yoko Kanno presidente della Repubblica, o al massimo facciamo fuori i Ragazzi italiani".ndRyo) e Hajime Mizoguchi, ed eseguita dall’orchestra filarmonica di Varsavia (ma non era quella di Roma?ndRyo)(anche, dipende dal CD). Bisogna dire che le musiche sono molto particolari. Spaziano da sonorità classiche a canti gregoriani veri e propri. Se ascoltate astrattamente possono sembrare strane, ma all’interno dell’opera producono un forte impatto e creano un’atmosfera unica. Sentire brani come "Escaflowne" mentre viene attivato l’Escaflowne, o "Dance of Curse" durante il 1° combattimento, ammetto che mi ha fatto una grande impressione.

Tecnicamente, la serie è all’avanguardia. Ad una animazione molto buona, si unisce un’abbondante uso di computer graphics, come già in Macross Plus e Macross

In Esca la grafica computerizzata viene utilizzata con un discreto giudizio. Al di là di alcunni effetti non troppo piacevoli per l’occhio, in genere la c.g. valorizza l’opera. Belli gli effetti di mimetizzazione termottica alla "Ghost in the shell" dei Guymelefs di Zaibach. Dopo aver visto Evangelion, non pensavo di poter rimanere così impressionato dalla realizzazione di un’altra serie. Invece la mia opinione, dopo aver visto i primi 2 episodi della serie, è stata: "impressionante". Verso il 26° episodio ormai non fai quasi più caso ai Guymelefs e alle cittadelle che scompaiono, nè ai vari giochetti in c.g., anche se l’impressione di fondo non cambia. Kawamori sta lavorando al film di Esca. Dovrebbe uscire tra un anno e il rapporto tra film e serie dovrebbe essere lo stesso che corre tra il film di Macross e la serie (ossia un megacollage degli episodi più parti inedite.ndRyo)

In definitiva Vision of Escaflowne, se pur con qualche calo narrativo, soprattutto nella parte finale della storia, è un’ottima serie (sicuramente una delle migliori degli ultimi tempi)(segnatevi queste parole, perchè WDIM non le dice spesso…ndRyo) sia per realizzazione, sia musicalmente. Se avete la possibilità, vedetevelo. Se non ce l’avete ascoltatevi qualche BGM (BackGroundMusic.ndRyo). Se non potete fare neppure quello, ritorniamo all’inizio: immaginatevelo. Come ultima osservazione, da notare il fatto all’introduzione di ogni episodio viene mostrata una carta dei tarocchi, che dovrebbe rappresentare la puntata. La carta del primo episodio è la "Torre" (la carta più sfigata che esista), quella del secondo è il "Fusco" (se conoscete i Tarocchi, ma non avete presente questa carta, non vi preoccupate, è più che normale) e rappresenta il coraggio. Se mai vi capitasse di pescarli in sequenza, fate gli scongiuri (toccatevi le corna come fa il Muflone…) o ancora meglio, se vi capitasse di possedere un mazzo con una carta come il "Fusco", bruciatelo in nome della Divinità dei manga (grazie dell’offerta.ndGoku). Mi accingo a salutare tutti i lettori di Tiphares e … (ed ecco, una luce proveniente dal cielo investe WDIM e lo trasporta lentamente in alto… in alto… in alto…ndRyo)(Ouch!ndWDIM che ha centrato il soffitto).

El Hazard: The Magnificent World

Sun, 05 Oct 2025 00:00:00 +0200

Volete sapere in poche parole cos’è il fantastico mondo di El Hazard? Avete presente quando di notte sognate il vostro Harem pieno di donne stupende con vestiti arabeggianti, dove la più brutta, con la sua bellezza, farebbe sfigurare la Schiffer? No?!? Allora o siete donne o siete come Tribal: nei sui sogni o si mangia di tutto, ma ultrapiccante, o ci si picchia in allegria. Se non avete presente fatevelo raccontare, l’unica differnza è che a El Hazard (che non è la contea dove corre il Generale Lee) c’è un po’ di storia, mista con tante belle donne, naturalmente.

Cominciamo: il giovane (e Sborillo) Makoto Mizuhara, uno studente modello del Liceo Shinonome, scopre che il presidente degli studenti del liceo, Katsuhiko Jinnai, ha comprato le ultime elezioni degli studenti. In questo conflittuale inzio ci si mettono in mezzo Nanami Jinnai, sorella giornalista di K. Jinnai, e il senso di inferiorità di Katsuiko rispetto a Makoto, che però non riesce ad accettare. In più nella scuola vengono trovati reperti archeologici antichissimi. Quella sera stessa, a scuola, si trovano i nostri tre protagonisti più il professor Fujisawa, e qui accade il fatto: dalle antiche rovine appare una luce che blocca il tempo e tutte le persone, tranne Makoto: lui, capita la provenienza della luce, si reca alle rovine, poste nella cantina della scuola, da dove esce una ragazza da favola, anzi la seconda, perchè anche Nanami non si butta via subito (anche Goku appartiene al club "Basta che respiri"….ndRyo).

Questa nuova conoscenza non fa molti complimenti, salta addosso a Makoto dicendo che sono millenni che lo aspetta (perchè queste cose non capitano mai a me? NDtutta la redazione all’unisono, tranne Ryo che sta giocando al picchia-tutto di Sailor Moon, quindi non ragiona più)(Moon prism power Make up!ndRyo) e che a bisogno di lui. Ed in quattro e quattro quarantaquattro si trova con Fujisawa ad El Hazard. Lì, nel caos assoluto, i due salvano la principessa Rune Venus di Roshtalia, assalita dai Bugrom (insettoni schifosi), grazie soprattutto a Fujisawa che si scopre dotato di superpoteri ,ma solo quando è sobrio, il che per un ubriacone è quasi una maledizione. Makoto invece diventa un principessa, non per strane operazioni, ma perchè somiglia moltissimo a Fatora, sorella di Rune Venus rapita dalla tribù delle ombre. K. Jinnai, anche lui a El Hazard, diventa capo dell’ esercito Bugrom che muove alla conquista di Roshtalia.

Ma anche Nanami è qui, persa però nel deserto. I Bugrom, sotto il comando di Jinnai invadono uno ad uno i regni alleati. Tutti capi chiedono a Rune Venus di disigillare "L’occhio di Dio” potentissima arma che gira intorno alla terra come fosse una luna. Questa è utilizzabile solo da due principesse d’accordo: Rune Venus e Fatora; quindi senza la seconda l’alleanza si sarebbe sciolta e i Bugrom avrebbero vinto. Ma per fare ciò bisogna chiamare i tre saggi, e l’ unica persona degna di farlo è una principessa: e chi, se non Makoto nei panni di Fatora? Provate a immaginare chi sono i tre saggi: tre bei pezzi di.. angelo, con età comprese tra 17 anni della stupenda Sheera-Sheera (non si vede neanche che è la mia preferita) passando per i 20 circa di Afra Marn, fino ai 20 e più della dolcissima Miz Mishtal.

K. Jinnai, saputo che l’occhio di dio stava per essere rimesso in funzione, decide di risvegliare Efreeta, demone malvagio che già migliaia di anni fa distrusse tutta El Hazard. Le sorprese non sono finite, perchè il demone non è altro che la ragazza che portò Makoto ed i suoi amici in questo strano regno, anche se lei non se lo ricorda. La terza video cassetta italiana finisce con l’incontro fra Makoto ed Efreeta al castello di Roshtalia, che il demone vuole distruggere, ma non vi anticipo nulla di quello che accadrà, ma sappiate che la fine di questa serie non è scontata come sembra, vedrete.

L’ idea di questa serie è di Hiroki Hayashi. Come? non sapete chi é? tutti dietro la lavagna!! Il mitico Hayashi dovreste conscerlo molto bene, perchè oltre ad essere il regista-idatore di questa serie, lo è stato anche per Tenchi Muyo (vedi numero scorso). Il charcter design è diverso dalla sua precdente opera, perchè questa volta è stato affidato a Kazuto Nakazaua, ma sicuramente non è meno bello. In pratica se vi è piaciuto Tenchi Muyo, quest’ opera è a suo pari, quindi non pedetela. Vi saluto al prossimo articolo.

P.S. Per essere equi (dei cavalli latini in pratica) questa serie è uscita così velocemente, che il mio portafoglio si è svuotato in men che non si dica. Pensate che in due cassette, per la fretta di farlo uscire, la Dynamic si è dimenticata della pubblicità!!! Meglio.

Cyber City Oedo 808

Sun, 05 Oct 2025 00:00:00 +0200

Cyber City, Cyber City, ma dove l’abbiamo già sentito questo titolo? Ah, già, ce lo voleva proporre a suo tempo la fu Granata: ve li ricordate i promo di quest’anime insieme a quelli di Macross Plus? No? Fa lo stesso.

Nel 2808 la tecnologia ha raggiunto livelli tali che ormai le città sono interamente informatizzate, ma si sa, che tra crimine e legge è il primo ad adattarsi più in fretta alle nuove tecnologie. E allora, come potrà affrontare, la polizia, il pericoloso dilagare del crimine informatizzato? Sapete che c’è il proverbio che dice "chiodo scaccia chiodo", quindi, chi meglio di un altro criminale può catturare un criminale?

A tre pericolosi criminali, detenuti in un carcere orbitale di massima sicurezza, viene offerta la possibilità di rimanere in quella prigione fuori dal mondo a scontare le loro condanne plurisecolari (mi chiedo se i tipi che hanno emesso la sentenza sono degli spiritosi o degli spiritosoni.ndRyo), o di entrare a far parte della polizia cybernetica e tentare di ridurre le loro pene (infatti per ogni missione andata bene, viene scontata parte della condanna). Troppo bello per essere vero, infatti, dopo aver accettato, i tre vengono informati che se falliranno, verrà fatta esplodere la microbomba dentro ai loro collari.

Quindi i tre protagonisti, Sengoku, Go:gl e Benten non hanno molte scelte, devono portare a termine con successo ogni missione, o morire: sono soltanto carne da macello per la polizia e il loro comandante, che li tratta con distacco, senza un minimo di rispetto e considerazione. La serie si compone di tre episodi, in cui la storia vede, a turno, uno dei tre Cyber criminali come personaggio principale e gli altri due a fargli da spalla. In questo primo volume, "La morte virtuale", è a Sengoku che tocca farsi il mazzo per portare a termine il caso. L’OAV si apre con l’arresto, più sborone (Mai più utilizzare parole senza il mio permesso!!ndGoku) che spettacolare, direi, di un criminale che cercava di fuggire dalla città di Oedo, ordinaria amministrazione. Ma la missione che attende il nostro è un tantinello più difficile: un Hacker è riuscito a intrufolarsi nel sistema di controllo del più alto grattacielo di Oedo, prendendo il controllo di tutti i sistemi di sicurezza, tenendo così in ostaggio le 50.000 persone che erano all’interno.

Ogni tentativo di abbattere le difese informatiche dell’hacker risultano inutili: l’unica persona che può aggirare le barriere è Kurokawa, il controllore del sistema che gestisce il grattacielo che si è asseragliato nella stanza di controllo perchè è convinto che l’hacker sia un suo collaboratore scomparso misteriosamente, ritornato per ucciderlo. Ovviamente se volete conoscere la risposta guardatevi l’oav e forse scoprirete se un radicato sentimento di vendetta può superare la morte.

Cyber City non è propriamente una serie cyberpunk, è solamente cyber: scordatevi i palazzi lerci (da 1 a 10 la tua finezza è 12!ndGoku) di Battle Angel Alita o di Blade Runner, qui gli ambienti sono puliti e asettici, tutto sembra perfetto, ma serve solo a nascondere il lerciume della società. Character design e regista di questo piccolo capolavoro è Yoshiaki Kawajiri, già conosciuto in Italia grazie a capolavori come "Ninja scroll" e "La città delle bestie": se avete già visto questi due anime,sapete cosa vi aspetta, se no, fidatevi. Questo Kawajiri sa il fatto suo, riesce a creare scene di grande suspance. Onore e infamia all’adattamento inglese: onore perchè hanno ricostruito e adattato in lingua inglese intere schermate di computer, infamia perchè hanno messo nei dialoghi una quantità esagerata di "fuck", così che sembra di vedere un poliziesco americano di serie B, e pensare che la versione Granata avrebbe mantenuto i dialoghi originali, peccato.

Se passate sopra a questo piccolo particolare, lo consiglio a tutti: è il più bel poliziesco che abbia visto (dopo Blade Runner)(anche dopo Ghost in the shell, Patlabor e Armitage, secondo il mio modesto parere.ndRyo), ottime animazioni, ricco d’azione e tanta suspence.

Un OAV senz’altro interessante, animazioni abbastanza buone e un’atmosfera cupa, in un mondo in mano alle grande corporazioni.Il doppiaggio, contrariariamente a quel che dice Char non mi e dispiaciuto affatto.Il linguaggio volgare e quell’umorismo sarcastico e cinico (più americano che inglese) non stonano assolutamente all’interno dell’anime.La storia è all’insegna dell’azione e non sembra svilupparsi in particolari direzioni.Un titolo per gli amanti dell’azione e delle atmosfere alla Blade Runner.

Wdim

Asura's wrath

Sun, 05 Oct 2025 00:00:00 +0200

Quando è uscito nel 2012, Asura’s Wrath è passato quasi inosservato. Ricordo di aver giocato alla demo su Xbox 360, averlo trovato “visionario” ma di aver rimandato l’acquisto, salvo comprarlo qualche mese al prezzo di una pizza e una birra. Sviluppato da CyberConnect2 e pubblicato da Capcom nel 2012 per Xbox 360, perchè “visionario”? Sicuramente per il suo stile visivo, per il tipo di narrativa ispirata alla serialità degli anime giapponesi e un gameplay che mescola azione frenetica con sbadilate di quick time event.

Storia e Ambientazione

La trama di Asura’s Wrath è un mix di mitologia, tragedia e vendetta che trae ispirazione dalle leggende indiane e dalla tradizione anime. Asura, il protagonista, è un ex dio della guerra che viene tradito dai suoi compagni, falsamente accusato di tradimento e ucciso. Dopo essere stato rinato in un mondo in rovina, il suo unico scopo è vendicarsi e salvare la sua famiglia.

La storia si snoda attraverso una serie di eventi spettacolari, ricchi di colpi di scena e momenti di puro drama, con un intreccio che fonde elementi mitologici con tematiche come il tradimento, la redenzione e la lotta per il potere. Il tutto con una narrativa a tratti un po’ esagerata, con quello stile giapponese un po’ tutto matto, con Asura che prende a cinquine nemici giganteschi (e per giganteschi intendo gente grossa come un pianeta che cerca di schiacciare col dito il protagonista) e varie divinità. La storia è raccontata in un formato episodico (gli episodi sono chiamati Kanda), simile a quello di una serie televisiva, con tanto di eye-catch, anticipazioni dell’episodio successivo e riassunto delle puntate precedenti.

Gameplay

In termini di gameplay, Asura’s Wrath è un ibrido tra un picchiaduro e un gioco d’azione, ma non è un’esperienza tradizionale. Nonostante il gioco possa suggerire un gameplay alla Devil May Cry, la maggior parte delle fasi di gioco si concentra su combattimenti frenetici e spettacolari, che spesso sfociano in momenti quasi cinematografici, dove il giocatore deve premere pulsanti al momento giusto (quick-time events, o QTE) per proseguire l’azione. Queste sequenze sono incredibilmente spettacolari ma da giocare sono spesso una palla al cazzo.

Le battaglie sono veloci e violente, con una grande varietà di nemici, che vanno da esseri umanoidi a mostri giganteschi. Asura ha accesso a poteri divini che gli permettono di scatenare attacchi devastanti, che spaziano da colpi pesanti a super attacchi speciali. Il gameplay tende a essere ripetitivo a lungo andare, poiché le meccaniche di combattimento non evolvono in modo significativo nel corso del gioco.

I QTE sono onnipresenti e, sebbene siano un elemento centrale del gioco, possono risultare frustranti per alcuni giocatori, poiché interrompono il flusso dell’azione. Ciò che rende il tutto speciale, però, è la qualità della produzione e la grandiosità dei momenti che vengono rappresentati attraverso questi eventi. Ogni battaglia con un boss diventa una vera e propria “lotta contro il destino”, con combattimenti così esagerati da risultare quasi demenziali nel loro svolgimento (ma è un po’ il suo bello).

Grafica e Design Visivo

Uno degli aspetti più impressionanti di Asura’s Wrath è il suo design visivo. Il gioco presenta uno stile artistico con personaggi e ambientazioni che sembrano usciti direttamente da un anime. Non sono certo che si possa definire cell shading, ma in un paio di situazioni le urla di rabbia di Asura ricordavano le omologhe vignette di Kentaro Miura in Berserk. E questo penso che sia uno dei più bei complimenti che gli si possa fare. Le animazioni sono fluide e piene di energia, e ogni scena è pensata per esaltare il dinamismo e l’intensità delle battaglie. Trattandosi di un gioco della generazione PS3/X360 non aspettatevi texture in HD o 4K.

Colonna Sonora e Audio

La colonna sonora di Asura’s Wrath è epica e monumentale, un perfetto accompagnamento per le battaglie intense e le sequenze cinematografiche. La musica spazia da brani orchestrali grandiosi a melodie più intime, sempre in grado di esprimere la giusta atmosfera. Le tracce più drammatiche enfatizzano le emozioni di Asura, mentre le composizioni più energiche accompagnano le sue furiose lotte.

Gli effetti sonori sono altrettanto impressionanti, con ogni colpo e impatto che si sente forte e chiaro. La voce di Asura, che grida di rabbia e dolore, aggiunge un ulteriore strato di intensità emotiva al gioco, facendo sentire il giocatore coinvolto in ogni momento. Ovviamente meglio il doppiaggio giapponese, ma pure quello inglese è di discreta qualità.

Durata e Rigiocabilità

Asura’s Wrath non è un gioco particolarmente lungo, con una durata che si aggira intorno alle 8-10 ore, a seconda della velocità con cui si affrontano i vari episodi. La struttura episodica, che ricorda un po’ quella delle serie TV, permette un ritmo ben scandito, ma potrebbe lasciare alcuni giocatori con la sensazione che il gioco si concluda troppo presto.

Nonostante la durata relativamente breve, il gioco offre un buon livello di rigiocabilità, grazie alla possibilità di sbloccare nuovi contenuti, come modalità di difficoltà più elevate e collezionabili. Tuttavia, la ripetitività delle battaglie può essere un deterrente per chi cerca un’esperienza più variegata.

DLC

Gli anni in cui è uscito Asura’s Wrath erano gli anni in cui Capcom si era riscoperta particolamente sanguisuga, per cui in occasione dell’uscita di questo gioco, aveva deciso di estrapolare alcuni kanda e di venderli a parte sugli store digitali. Quindi se si vuole l’esperienza completa (tra cui un paio di kanda dove Asura si mena con Ryu e Akuma di Street Fighter) bisogna prepararsi a scucire qualche altro eurino. Poi intendiamoci, questi dlc non sono nulla di memorabile (per dire, ce n’è uno solo animato dove bisogna solo pigiare tasti) per cui sono tranquillamente skippabili, ma ciò non toglie che le mamme dei dirigenti Capcom di allora facessero un lavoro ben specifico.

Conclusioni

E’ un gioco talmente giapponese che fa il giro e ridiventa giapponese. Gente che ferma pianeti con le mani, astronavi giganti, morti e resurrezioni: c’è tutto. E’ tipo la versione ignorante di Dragonball. Non si mena benissimo e ci sono troppi quick time event. Per il resto è un anime interattivo.

In ogni caso, Asura’s Wrath rimane un titolo che sa come impressionare, sia visivamente che emotivamente, e che offre una delle esperienze più fuori dagli schemi della generazione Xbox 360.

Wings of Honneamise

Mon, 03 Mar 2025 00:00:00 +0100

Prima di cominciare con la recensione, premetto una cosa: questa sarà una recensione completamente seria, priva di battutaccie e di note sparse qua e là (illuso.ndTribal)

Correva l’anno 1987 (ma che? Gli anni di sono messi a fare footing?ndGoku) (non è che si riferisce a Hideaki Anno?ndRyo)(OK! Ho capito. Chi avesse letto la premessa a questa recensione, la dimentichi.ndWDIM). Dovevo avere all’incirca 11 - 12 anni e, a parte vedere Hokuto no Ken, non penso facessi molto nella vita (perchè, invece adesso…ndRyo estremamente sarcastico). Mentre io gigioneggiavo spensieratamente, in Giappone usciva Wing of Honneamise. Alcuni tipi loschi di un neonato studio di animazione (Gainax) con alle spalle, chi la partecipazione a Macross (Anno, Yamaga), chi solo la partecipazione a filmati amatoriali e agli opening di Daicon III e IV, riuscirono a raggranellare i fondi dalla Bandai (tanti fondi.ndWDIM) per portare a compimento il progetto del film.

La storia gira attorno a Shiro Lhadatt, membro della Space Force, un gruppo sotto la direzione militare. La Space Force non si occupa, come le altre sezioni militari, di guerra, bensì di lanci spaziali. Unica pecca della sezione è quella di non essere mai riuscita a far partire una navetta, e tutti i rappresentanti della Space Force, Shiro incluso, ne fanno parte perchè non hanno niente di meglio da fare (mi ricordano certe persone… ndRyo che sta facendo del sarcasmo la propria ragione di vita). Una sera, durante una libera uscita, Shiro incontra Riquinni, una giovane ragazza che distribuisce volantini religiosi al fine di diffondere la parola di Dio. Shiro, colpito dalla ragazza (non certa dai suoi argomenti di discussione)(però aveva degli altri argomenti più convincenti…ndRyo), accetta l’invito proposto dal volantino e, il giorno successivo si presenta a casa della ragazza per quello che dovrebbe essere un approfondimento sull’argomento ecclesiastico (e qui mi verrebbero una miriade di battute, ma non le faccio perchè non vorrei risultare blasfemo… ndRyo). Quello che sarebbe dovuta essere una conferenza, si rivela un incontro a tre: Shiro, Riquinni e Mana (la sorella minore di Riquinni). Durante la discussione, le ragazze vengono a conoscenza della professione di Shiro; professione che pare a Riquinni molto suggestiva. Bisogna dire che la Space Force non era vista di buon occhio nè dalla popolazione, che la riteneva inutile, nè dagli altri militari, ai quali sembrava più importante far le guerre che perdere tempo dietro le stelle. Per questa ragione, il discorso entusiastico di Riquinni ebbe un effetto sorprendente su Shiro. Da svogliato e ozioso (chi? WDIM?ndTribal) divenne un deciso e convinto membro della Space Force (l’unico a dire il vero), arriavando a offrirsi volontario per il progetto del primo vero lancio spaziale.

La storia continua, mostrando gli allenamenti fisici di Shiro, la progettazione della navetta e i problemi a reperire i fondi dal governo centrale e l’evoluzione del rapporto tra Shiro e Riquinni, che porterà a un cambiamento nella visione del mondo nel protagonista. I problemi di Shiro, non terminano qui: infatti deve anche vedersela con una nazione ostile alla sua che fa di tutto pur di impedire il lancio della navetta spaziale e di impossessarsi della stessa, offrendo delle intense scene d’azione che sfoceranno in uno scontro aperto tra le due nazioni, ovviamente prima del sospirato lancio.

Il film, dal punto di vista tecnico, è mostruoso, soprattutto considerata l’epoca in cui è stato realizzato. L’animazione è ottima; le luci e i colori non troppo accesi contribuiscono a creare quel forte senso di realtà che è una delle caratteristiche principali del film (magnifica la scena del primo volo di Shiro). La scena del lancio spaziale, per la quale quelli della Gainax sono stati addirittura alla NASA a studiare la complessa meccanica dei lanci spaziali. Il character design di Sadamoto è atipico, fatto di linee tondeggianti e meno spigolose, ottenendo un tratto più adulto, adattissimo all’opera, anche se ad una prima occhiata può sembrare strano.

Le musiche di Ryuchi Sakamoto rispettano l’atmosfera del film pur non essendo nulla di particolarmente eccezzionale, a parte il brano che fa da sottofondo alle scene finali del film (dopotutto era lecito aspettarsi di più da colui che ha vinto l’Oscar per le musiche de “L’ultimo imperatore” di Bertolucci e che ha lavorato in tante opere importanti).

Tutto bene dunque? Insomma… Per molte persone che hanno visto il film, il problema principale sta nella struttura della storia, che può apparire debole in alcuni punti. La difficoltà principale è seguire i pensieri del protagonista. Mentre in opere come Gunbuster o Evangelion i sentimenti del protagonista erano evidenti, in Honneamise, i pensieri di Shiro non si esprimono a parole, ma sotto forma di sguardi e di certi atteggiamenti che mutano con il procedere della storia, fino a giungere alla preghiera pronunciata nella spazio da Shiro. Così alcune scene possono apparire oscure, ed altre, come la scena dello stupro, puramente gratuite.

Altro sintomo di una struttura debole è la funzione della nazione antagonista dell’impero in cui vive Shiro. Sembra solo esistere per movimentare il film tra un dialogo e l’altro e per mettere in mostra le capacità tecniche della Gainax avendo a disposizione un grosso budget (vedi lo scontro finale vicino alla rampa di lancio). Hooneamise no tsubasa, in definitiva è un film da vedere, non fosse altro per la realizzazione, soprattutto se si è dei Gainax fan. Personalmente l’ho apprezzato appieno dopo averlo visto 3 volte, quindi consiglio di guardarlo almeno un paio di volte. Un paio di curiosità: il titolo originale doveva essere “The Royal Space Force” (Oritsu Uchugan), ma la bandai riteneva che il titolo doveva essere leggermete più altisonante, qualcosa tipo “Fushigi no umi no Nadia” o “Nausicaa nella valle del vento”, e così diventò “Wings of Honneamise”. A Wings ha lavorato anche Kenichi Sonoda (autore di “Gun Smith Cats” e “Gall Force”.ndRyo), disegnando alcune parti della città, dopo che le tavole che stava eseguendo come mecha designer furono rifiutate perchè ritenute eccessivamente fantasiose. Che dite, è venuta fuori una recensione seria? Tu che ne dici Ryo? Ryo…?!? Ryo, la pianti di ridere?

Rough

Mon, 03 Mar 2025 00:00:00 +0100

Questa volta, ospite dei “Sottovalutati” è “Rough” di Mitsuru Adachi, uno degli autori di punta della Shogakukan, e autore di “Touch”, “Miyuki”, “H2”, ecc. Il manga fu presentato nell’Aprile del ‘95 (lo stesso mese in cui iniziò anche “Dragon Ball”) dai Kappa Boys sulla testata “Starlight”, prendendo il posto dei fortunatissimi “Orange Road” e “Sesame Street” di Izumi Matsumoto. Purtroppo “Rough”, dopo appena 9 mesi, cosa mai successa in casa Star, viene interrotto a causa delle scarse vendite (risentendo forse della concorrenza interna del già citato “Dragon Ball”), salvo poi ricomparire in edicola nella collana “Storie di Kappa”, sotto forma di 5 bei volumazzi che concludono la serie, attraverso i quali i Kappa Boys dimostrano una forza di volontà mica da ridere.

In breve, la storia assomiglia, anche se alla lontana, a quella di “Romeo e Giulietta” di Shakespeariana memoria (sperando che Shakespeare non si rivolti nella tomba dopo questa mia affermazione): Keisuke Yamato e Ami Ninomya si odiano per colpa di una rivalità che dura da anni tra le loro famiglie, entrambi di pasticcieri. Non solo: Keisuke è un abile nuotatore, classificatosi terzo alle gare nazionali, mentre Ami è una tuffatrice quasi alle prime armi, ma dotata di uno stile eccezionale e grande talento.

I due frequentano la stessa scuola, e quindi, per forza di cose, spesso e volentieri si scontrano. Tuttavia, grazie allo sport, agli amici e a tanti altri fattori più o meno importanti, Keisuke ed Ami diventano amici, anche se dovranno, in seguito, fare i conti con i loro sentimenti, le loro famiglie e con il campione nazionale di stile libero, che è amico moooolto intimo di Ami e soprattutto, rivale numero uno di Keisuke, sia nello sport, che in amore…

Di più non dico perchè, come prevedibile, si rischierebbe di svelare particolari che rovinerebbero la lettura di questo fumetto. Devo ammettere che io stesso non ho comprato “Rough” al momento dell’uscita in edicola: oltre che per problemi di tipo “logistico” (che non sto qui a a spiegarvi), il fumetto non ha fatto su di me presa immediata. Non mi piace infatti, lo stile di Adachi: trovo che disegni le orecchie dei personaggi troppo grosse, inoltre, da come disegna lui i personaggi maschili, sembra che abbiano le gambe più corte rispetto al resto del corpo o quantomeno che abbiano tutti quanti il cavallo dei pantaloni molto basso. Tuttavia, come insegna il maestro Go Nagai, è la storia che fa grande il fumetto, e non il tratto, e anche Adachi sembra confermarlo: l’autore infatti ha confezionato una storia d’amore delicatissima, per certi tratti simile a Video Girl Ai, ma priva di quegli ammiccamenti piacevolmente erotici, quell’atmosfera voyeristica e quel “lolitismo” tipico di Katsura (non fraintendete per carità, VGA è il mio fumetto preferito).

Come il fumetto di Katsura però, i sentimenti trasudano da ogni pagina e gioirete per le vittorie di Keisuke ed Ami e vi dispiacerà delle loro sconfitte, ma soprattutto, li sentirete “vivere”. Che fine hanno fatto le persone che chiedevano Adachi ad alta voce? Anche se magari vi aspettavate “Touch” o “Miyuki”, comprate lo stesso “Rough”: non vorrei sembrare impopolare, ma forse “Rough” è ancora più bello… fermo restando che siamo ancora tutti in attesa di “H2”.

Iria: Zeiram the animation

Mon, 03 Mar 2025 00:00:00 +0100

Questa è la trasposizione animata di un film giapponese “Zeiram” (la erre di Zeiram è scritta al contrario in originale, ma o la mia tastiera non possiede questa funzione, o sono io che pur avendo cipollato un’ora non trovo il carattere). Vi dò un consiglio utile se avete gia visto almeno una o una parte delle svariate cassette di Iria(anche questo nome con la solita “r” rovesciata), non guardate mai, e ripeto mai, il film, perché ad un obrobrio tale solo pochi stomaci resistono. L’unica nota positiva del film che si può riscontrare è la constatazione, che oltre ad essere un grande autore (uno dei miei preferiti; è anche il character designer della serie) il mitico Masazu Katsura si riscopre in un ruolo a lui nuovo, cioè l’ attore, senza dubbio il migliore di questo film, infatti a lui è stato dato il fondamentale ruolo del (squillino le trombe) (popporopo ndReda) “passante” , unico ruolo del film che si può fare senza perdere la faccia.

Ma bando alle ciancie, adesso parliamo di qualcosa di uhmm… Mh Fenomenale! (ND Dan Piterson), cioè la serie animata in cui tutto è stupendo (in effetti sono un po’ di parte, perché quando vedo il disegno di M.Katsura vado in estasi mistica,(che come vi ho già detto è il character designer) inoltre vi cito qualche suo lavoro per far capire a quei (spero!) pochi ignoranti che non lo conoscono di che calibro di autore stiamo parlando (44 Magnum? NdRyo) (Sì, che userò per ucciderti se mi fai un’altra di queste battute! O forse con lui è meglio di no?)(Bene, vedo che hai capito chi è il capo…ndRyo)). Il suo più grande successo tradotto in italia è Video Girl AI, seguito dal più recente Shadow Lady e da altri meno famosi, ma non meno belli come DNA2 e Present from Lemon. Ritorniamo ad Iria in cui le musiche sono molto su toni cyber e new age (simili a quelle del film di Masamune Shirow “Ghost in the Shell” che in Italia è anche chiamato “Lo Spirito nel Guscio”), che si adattano perfettamente al futuro rappresentato nella serie.

Iria è anche il nome della protagonista, infatti il titolo originale della serie è “Zeiram The animation” , che quelli della Yamato hanno fatto bene a cambiarlo per discostarlo dal quel affare osceno che non oso nemmeno chiamare film; ma hanno fatto male, anzi malissimo (dovrebbero essere flagellati pubblicamente. Giudizio finale e unanime emesso dal tribunale supremo di Tiphares, cioè IO) a pubblicare anche il film. Passiamo ora alla storia (come la più bella fanzine dell’universo!! )(la demenzialità di questo ragazzo mi stupisce sempre di più…ndRyo): Iria è la sorella e l’aiutante di Glenn un detective spaziale.

Il primo OAV inizia con Iria che è intenta a catturare un criminale, ma quando lo cattura il prigioniero le vienne rapito da Fushikuro, un altro detective spaziale mezzo amico e mezzo rivale di Glenn. Amico quando Bob, una specie di superiore dei due, assegna un lavoro in coppia ai due, rivale quando, molto spesso, per le missoni più difficili e di maggior guadagno, Bob seglie Glenn per accompagnarlo.

Proprio una di queste missioni è il motore della storia, Bob e Glenn devono andare sull’astronave Karma per salvarne l’equipaggio ed il carico, ma in partenza trovano della resistenza da parte di non si sa chi. Solo grazie all’intervento Iria i due riescono a raggiungere la sala teletrasporto, quindi, dato che non possono lasciarla li in balia dei nemici, decidono di portarla con loro in missione. Giunti sull’astronave Karma si accorgono che il carico da riportare su Mice(il loro pianeta) non è nulla di normale, ma si tratta adirittura dello Zeiram che si è liberato ed ha ucciso buona parte dell’equipaggio. Mentre Iria e Bob mettono tutti i supestiti in salvo, Glenn si scontra con lo Zeiram, essere ritenuto immortale per la sua invulnerabilità a tutte le armi, oltre che molto spietato. Infatti lo Zeiram è una creatura concepita dalla mente umana come arma, ma ha un unico difetto: è incontrollabile, quindi ovunque essa sia porta morte e distruzione. Nello scontro con il mostro Glenn si trova in difficoltà e Bob accorre per dargli una mano, ma viene gravemente ferito, quindi Iria lo carica sull’ultima scialuppa di salvataggio con un vice presidente della Capitale di Mice, a cui cade un pendaglio, che Iria raccoglie. Glenn, accortosi della reale forza dello Zeiram, decide di sacrificarsi per ucciderlo, quindi con una bugia fa lasciare ad Iria la Karma e poi fa espodere la nave spaziale. Iria dal contraccolpo dell’esplosione sviene e si risvegla a Taowajan, dove scopre che anche lo Zeiram è sopravissuto e sta compiendo un massacro fra la povera gente, ma le autorità non intervengono, perchè é nel loro interesse che quel quartiere venga distrutto. Invece Iria, che lì ha conosciuto alcuni bambini, ne ha pena, quindi con un cavo alla Batman aggancia lo Zeiram e lo trascina fino alla sede del potere di quel pianeta, dove prima lascia che distrugga un pò, poi con l’aiuto di una strana voce riesce a scaraventare lo Zeiram in un sala teletrasporto e il mostro sparisce.

Dopo un lungo viaggio Iria riesce a tornare a casa sua su Mice, dove pensa di trovare un pò di tranquillità, ma al suo arrivo ad attenderla c’è Fushikuro, che ha ricevuto l’incarico di proteggerla, incarico che lui ha accettato solo per l’alta ricompensa. Infatti ad attendere Iria non c’è un comitato di benvenuto, ma i soliti nemici che hanno tentato di impedirle la partenza, che poi si scopre essere i poliziotti robot di Mice, che più che far rispettare la giustizia, servono fedelmente chi ha in mano il potere. Il combattimento si risolve solo dopo che Iria distrugge un decina di carri armati, svariati robot, scala un palazzo di quasi 100 piani (però anche se questa scena assomiglia di più a qualche avventura da super eroi, dovreste vedere com’è realizzata, così vi renderete conto di quanto sembri (nel limite) reale questa scena, che dura quasi un quarto d’ora.).

Tutto finisce quando Iria raggiunge il vice presidente a cui aveva salvato la vita: scopre infatti che a mandare tutti quei soldati era stato lui, perchè lei possedeva il suo pendaglio. Lei glielo ridà, ma senza il chip che c’era all’interno. Lui non se ne accorge e tutto va a posto. Bob è stato trasmormato in un computer, che Iria ruba dal palazzo del potere e se ne torna tranquillamente a casa sua. Un ‘unica cosa rimane non chiara: tutto quello che è successo sulla Karma e su Taowjan non è registrato da nessuna parte ed ai sopravvissuti del Karma sono stai cambiati i nomi e il loro passato (loro prima usavano il Pomì.ndPelo). Chi non vuole far sapere che lo Zeiram è ancora vivo? (Non ve lo dico e alla fine vi spiego anche il perchè). Quando Iria torna a casa nessuno più le da fastidio, anzi alcuni giorni dopo la chiamano al palazzo del governo (quello semidistrutto qualche riga sopra) per darle la tanto sospirata promozione a investigatore. Nella tipica maniera giapponese ora Iria è diventata in qualche settimana la più forte di tutti (che strano?, capita solo là!), infatti come prima missione che le viene affidata è quella di andare a salvare il dottor Toka, l’ultimo sopravvissuto del Gruppo di Studio Zeiram, che è stato rapito da un banda di criminali, ma la cosa più interessante è il fatto che prima di Iria c’è stato mandato un gruppo speciale di dieci persone, risultato tutti morti. La nostra eroina tutta contenta si arma dei congegni più strani e va a catturare i rapitori, ma quando arriva si trova un po’ disorientata. Infatti si trova davanti tutti i cattivi ed il gruppo speciale, con un lieve difetto comune (direi più provincia): sono tutti morti. Iria trova subito il dott.(S)Toka(…) in compagnia di Komimasa e Kei, due ragazzini che su Taowajan l’ hanno aiutata contro lo Zeiram.

Subito il dott. Toka con il suo Zeiram-Radar (mi ricorda molto il Dragon-Radar)
individua ben tre Zeiram nella zona, ma quando Iria combatte col primo ci si rende conto che questi sono solo delle mezzetacche (mi appello al garante, mi hanno censurato, io in realtà volevo scrivere la “c” al posto della “t”), infatti con un paio di colpi questi muoiono. L’unico problema è l’ultimo più resistente degli altri e con la faccia di Glenn, quindi Iria non riesce a colpirlo: solo grazie alle grosse sollecitazioni di Bob, nella battaglia (il tizio?) muore e tutti tornano a casa un po’ tristi. Con la storia mi fermo qua (qua-qua NDella mia papera), come vi ho detto prima non vi svelo nulla di più di quello che non si possa gia vedere in italiano per non rovinarvi questa sublime visione. L’unica cosa è che ho calcato un po’ di più sugli argomenti fondamentali tralasciando alcune cose che all’inzio sembrano importanti, ma in verità non lo sono. Consiglio non guardare troppo l’eroina fa i suoi effetti.

Golden Boy

Mon, 03 Mar 2025 00:00:00 +0100

Finalmente la Dynamic tira fuori dal suo cappello a cilindro una delle serie che più stavo aspettando in assoluto: quando ho appreso da un trailer della quarta videocassetta di City Hunter che questi OAV stavano per uscire in Italia, non ci stavo più nella pelle. “Un’ estate molto calda, da Dynamic Italia” diceva convinto Vittorio Guerrieri dall’altra parte dello schermo… come al solito alla Dynamic non avevano specificato di quale anno… Scherzi a parte (viva la Casalegno.ndGoku), anche se in ritardo (ormai siamo abituati), finalmente posso gustarmi il capolavoro di Tatsuya Egawa. Un bel giorno Kintaro Oe, direttore di Tiph… ehm, studente in legge (anch’io lo sono!ndChar) all’università di Tokyo, capisce di non aver più nulla da imparare, dal momento che all’università dimenticano di insegnare la materia più ostica di tutte: le donne (ufficialmente non è così, ma credo di interpretare il vero pensiero di Egawa)!. Così Kintaro, in sella alla sua fedele mountain bike “Mezzaluna” e ad una agendina sul quale annota tutto ciò che lui ritiene degno di nota, diventa un “freeter”, ovverosia un ragazzo che ogni giorno cambia lavoro, cosa che fornisce all’autore sempre nuovi spunti per le sue storie.

Nel primo OAV, Kintaro, mentre si reca al suo nuovo lavoro viene tralvolto da una Ferrari che lo fa schiantare dentro la monnezza con tutta la bicicletta. La macchina si ferma e dalla portiera dell’auto esce una donna che sembra un mix estremamente ben riuscito di tutte le modelle più, scusate il termine, gnocche dell’universo più uno (piccola parentesi, se tra le lettrici di Tiphares, qualcuna si riconoscesse in questa descrizione, è pregata di mandare una lettera alla redazione). La tipa, dopo essersi esibita in un numero che solo una ragazza che ha la quinta di reggiseno può eseguire alla perfezione (boing, boing.ndGoku), regala un milione di Yen (UN MILIONE!) a Kintaro che, nel frattempo, era troppo impegnato ad arrotolare la lingua che gli si era spalmata per terra (questa me la sono inventata io, ma devo dire che di fronte ad una roba simile rimpiango di non essere nato cartone animato). Kintaro annota tutto sulla sua agenda e si reca finalmente sul nuovo posto di lavoro: una società informatica. La cosa che però sconvolge il ragazzo (e anche me!) è che tutti i programmatori sono donne! E ce ne fosse una brutta (anch’io voglio essere assunto lì!!!!)! La brutta sorpresa arriva quando si presenta davanti al capo: è la donna che lo aveva investito poco prima!

Poco convinta da Kintaro, la donna caccia il poveretto a pulire i gabinetti, dove il nostro è così contento di pulire il posto dove tutte queste ragazze poggiano il popò, che si esibisce in una delle figure di m…a più grosse dell’universo (un’altra l’ha fatta il Tribal quando siamo andati dai Kappa Boys, un giorno ve la racconterò…). Per nulla scoraggiato, Kintaro chiede alla presidentessa di dargli una possibilità, peccato che tutto si risolva in un’ennesima figuraccia: infatti il ragazzo conosce solamente il Basic, venendo subito paraculato dalle ragazze perchè per lavorare in un ufficio del genere è necessaria almeno la conoscenza del C. Deluso e sconsolato, Kintaro ritorna mestamente a pulire i gabinetti. Un giorno, per colpa di uno dei soliti casini , Kintaro rimane nell’ufficio fino dopo l’orario di chiusura, e, scorgendo il computer acceso, lo spegne, cancellando irreparabilmente tutto quello che era in esso contenuto (era un server). Ovviamente la presidentessa lo licenzia in tronco e Kintaro si esibisce in un’altra delle sue figuracce. Ma non finisce mica qui! Kintaro si chiude in casa e, una volta imparato il C in una settimana (INSULTO!!!!ndRyo, Goku, WDIM e Muflone, studenti d’informatica)(e io che ci ho messo un sacco di tempo solo per imparare il Pascal, sigh…), riprogramma il software cancellato anche meglio di prima e poi se ne va via , tra le lacrime disperate di tutte le programmatrici e della fantadirettrice . Nel secondo OAV Kintaro collabora alla campagna elettorale di un sindaco giapponese coinvolto in dei loschi traffici con la Yakuza (la mafia giapponese). Il giovane si innamora di Naoko, figlia di quest’uomo (in effetti un gran bel pezzo di figliola), la quale dimostra subito un’attrazione per lui. Kintaro si accorge però che la ragazza vuole solo sedurlo per farne il suo burattino, annotando tutto sulla sua fida agenda, che manco a dirlo, attira le curiosità di Naoko. Dopo avergliela sottratta, la ragazza legge e scopre quello che effettivamente Kintaro pensa di lei: ovvero che è una ragazza che gioca a fare l’oca, che è succube del padre e soprattutto che lui è innamorato di lei. Durante il loro successivo incontro, Naoko inscena un tentativo di stupro da parte di Kintaro, facendo accorrere nella sua camera suo padre con gli Yakuza. Kintaro, per nulla spaventato bacia la ragazza e le dichiara tutto il suo amore, per poi venire inesorabilmente gonfiato come una zampogna. Questo gesto serve però ad aprire gli occhi a Naoko che fa terminare il massacro e si innamora anche lei di Kintaro, chiedendogli scusa con un biglietto molto particolare (cosa che farebbe sbiancare qualsiasi carta da lettera attualmente in circolazione).

Nel terzo OAV, Kintaro lavora in un negozio di Udon (spaghetti giapponesi fatti a mano. Seguite i prossimi appuntamenti con “Tutti a tavola con Ryo Saeba”), aiutando il padrone che non può lavorare a causa di un braccio rotto. Il giovane si troverà suo malgrado ad aiutare la figlia del padrone che ha perso la testa per un uomo, apparentemente una brava persona, che si rivelerà essere invece uno Yakuza che ha preso di mira il ristorantino per costruirci un night club. Nel quarto, infine, Kintaro perde la testa per una ragazza che è direttrice di una piscina e campionessa olimpionica di nuoto (anche lei bona come il pane)(a me piacciono molto le baguette.ndChar), e viene assunto dalla stessa come istruttore, peccato che il nostro non sappia nuotare. Manco a dirlo il ragazzo impara in fretta specie se di mezzo c’è una sfida… meglio non dire altro…

Mi rendo conto che potrei sembrare terribilmente di parte ma considero Golden Boy una delle serie di OAV migliori in assoluto: tecnicamente si presenta bene, con degli sfondi ben colorati e un’ottima animazione dei personaggi, ma tutto ciò passerà in secondo piano dopo il primo minuto: verrete travolti da una carica esplosiva di umorismo e non smetterete di ridere finchè non spegnerete il videoregistratore. E’ impossibile rimanere impassibili di fronte alle innumerevoli figuracce di Kintaro, tanto più che anche io (e credo anche voi) mi sono ritrovato in situazioni simili. Per non parlare poi delle costante presenza di avvenenti ragazze durante tutto l’OAV (una su tutte la presidentessa), che da sole varrebbero l’acquisto della cassetta. Un bel colpo per la Dynamic quindi, con un’ultima considerazione: perchè nel nostro paese Egawa non è stato quasi completamente preso in considerazione? A parte un’orribile versione pirata di “Be Free!” e la storia “Be Free Returns” pubblicata su Erotikappa non si è visto nulla… Se a qualche lettore interesserebbe leggere “Golden Boy” in italiano, ce lo faccia sapere, non è impossibile che…

Due ultime note: nel primo OAV compare in un cameo Talulutokun e nel secondo Yuka, protagonisti di altri manga di Egawa; lo zainetto del protagonista è uguale a quello del nostro Goku, come dire: Tiphares fa tendenza anche negli anime.

Astrobot

Mon, 03 Mar 2025 00:00:00 +0100

A dicembre dello scorso anno, durante la premiazione del “Gioco dell’anno” ai Video Game Awards, Nicolas Doucet, game director di Team Asobi, ha ammesso che Astrobot deve molto ad un gioco di piattaforme di un’azienda concorrente. Giapponese. Che sta a Kyoto. La cui mascotte è un idraulico. Italiano.

Ora: in un mercato come quello dei videogiochi, dove reinventare la ruota può mandare un’azienda a gambe all’aria, ci sta che si copi dal compagno di classe più bravo. Quello che fa ridere (ma anche pensare) è che Sony, che in questo momento è di fatto monopolista incontrastata della sua fascia di mercato, decide di celebrare 30 anni della sua storia pubblicando un gioco che pesca a piene mani dai franchise più famosi di uno dei propri concorrenti. Eh sì, perchè oltre a saccheggiare i giochi dell’idraulico di cui sopra, in Astrobot ci sono elementi di gameplay che vengono diretti da Pikmin e Starfox.

E qui finiscono i difetti. Per il resto Astrobot è un platform game con i controfiocchi.

Narrazione e Storia

La trama di Astro Bot non è certo il cuore pulsante del gioco, ma la narrativa di base è comunque un ottimo strumento per contestualizzare il viaggio. Un ufo cattivone attacca l’astronave a forma di PS5 dove viaggiano Astro bot e i suoi amici robottini. L’astronave si rompe in 5 pezzi e i robottini vengono dispersi in altrettante galassie. Astrobot dovrà visitare le 5 galassie per recuperare i pezzi dell’astronave e i propri compagni, per poi ripararla e andare a prendere a calci nel deretano l’Ufo cafone. Siamo tutti d’accordo che non vincerà l’oscar per la sceneggiatura, ma anche sticazzi.

I riferimenti alla cultura videoludica e alla storia di PlayStation sono ovviamente onnipresenti come nel giochino precedente (quello che avete trovato installato nella PS5 appena comprata), con numerosi easter egg che danno di gomito agli utenti Playstation di vecchia data.

Grafica e Atmosfera

La grafica di Astro Bot per PS5 è sbalorditiva. L’ambientazione del gioco è caratterizzata da un mix di mondi coloratissimi e super dettagliati, che spaziano da ambientazioni naturali a paesaggi futuristici. Graficamente è il gioco che Nintendo farebbe se avesse più cavalli sotto la carrozzeria di Switch. Anche qui su certi design di personaggi, mondi e mostriciattoli l’influenza della casa di Kyoto è onnipresente.

Gameplay: Innovazione e Fluidità

Nel recuperare la formula dei Mario 3D, si svincola dall’inerzia del sistema di controllo di Nintendo e predilige dei comandi dalla precisione millimetrica. Comandare il piccolo robottino a 60 fps ad altissima risoluzione è un’esperienza estremamente gratificante, impegnativo senza essere disonesto, con i checkpoint messi in punti sempre ottimali, per ripartire di corsa dopo una morte accidentale. Oltre alla classica corsa e salto, il protagonista può ora interagire con l’ambiente in modi più complessi, utilizzando speciali “abilità” che variano a seconda dei livelli. Alcuni mondi introducono piccoli dispositivi che il giocatore può controllare direttamente, come jetpack, guantoni o blocca tempo.

C’è sicuramente un maggiore focus su esplorazione, risoluzione di puzzle e interazione ambientale. Bisognerà guardarsi bene in giro per non perdersi uscite dai livelli alternativi e robottini da salvare.

La vera innovazione, come nel caso del precedente Astro’s Playroom, è l’uso del controller DualSense, che diventa uno strumento fondamentale per l’esperienza di gioco. I grilletti adattivi, ad esempio, offrono una risposta unica a seconda dell’azione in corso, mentre la tecnologia aptica del controller permette di “sentire” i vari tipi di superfici e interazioni: sabbia, neve, metallo e altro ancora.

Durata

Astro Bot non è un gioco lungo, ma la durata è giusta per un platform di questa portata. Si aggira intorno alle 10-12 ore per completarlo, ma ci sono un sacco di segreti e di collezionabili, per cui non è escluso che vi venga voglia di ritornare sui livelli per trovare l’uscita segreta, recuperare quel robottino che vi manca o banalmente recuperare monete per sbloccare i gacha e le strutture nell’hub principale.

Conclusioni

Astro Bot per PS5 è un ottimo platform moderno, capace di combinare innovazione tecnica con un gameplay solido e divertente. Sfrutta ottimamente il Dual Sense ed è sicuramente un gioco da avere, a maggior ragione se a casa non avete una console Nintendo. E non è assolutamente un gioco per bambini: oltre a raggiungere picchi di difficoltà da pro gamer, ci sono citazioni che solo chi è cresciuto a pane e plaistescion 1 capirà. Certo è che per festeggiare i 30 anni, Sony poteva scegliere un modo un po’ più originale, ma facciamo che ci accontentiamo.